照片拍下來的，不是比油畫逼真寫實嗎？那繪畫還有意義嗎？
以上是西班牙極端寫實主義畫家Pedro Campos 的幾幅作品，是否震撼相信大家心理都有明顯的感觸了。
自從文藝復興之後的五百多年中，西方畫家都是在通過科學分析的方式來盡可能真實地描繪這個世界。在這一時期也開始出現了透視學、解剖學、色彩學等等。這一時期的繪畫作品我們可以發現都是寫實風格的。比如我們大家都熟悉的達芬奇等畫家，他們研究諸多學問，對一切都進行細致和真實的觀察和描繪。
自此以後寫實風格的繪畫得以蓬勃發展，直到19世紀上半葉攝影技術的出現。
攝影出現以後，大家大都懷著一種輕視態度來看待繪畫——畫得再真又怎樣？我們有相機呢。
之後，現代藝術流派呈現異彩紛呈之勢，印像主義、立體主義、表現主義、野獸派等輪番粉墨登場，每一個派別都有獨具特色的藝術形式和主張。
在這段歷程中，盡管每種流派的內容都不同，但是都有共通點即否定傳統的藝術形式，強調主觀情感的表達，放棄了對客觀世界的描寫，形成從具像到抽像的轉變。接下來的事情我們可以想像得到——正是由於在美國風行的抽像藝術，一種對抽像藝術壟斷狀態持反抗的情緒產生了。於是一些藝術家開始進行超寫實繪畫作的創作，希望以此來打破抽像一統天下的局面。
說到他們抵抗的原因個人認為主要有三點：第一，20世紀60年代，受當時藝術形式的影響，藝術家多有急功近利的浮躁心態，在充滿了個人主觀情感的一幅幅作品背後，畫家個人心靈的高度卻並沒有得到提升，反而開始走向了敷衍的道路。第二點，抽像派的大行其道使得繪畫藝術開始漸漸遠離群眾，普通百姓無法理解這些抽像作品的內涵的同時也就無法欣賞，超寫實主義者們希望讓大眾重新認識到繪畫的魅力。第三點，是希望繪畫的技術性能重新得到重視。所謂藝術離不開熟練的技術。通俗點來講就是當時的繪畫作品並沒有體現太多的技術性，以至於現在很多人看那些名作會誤以為幼兒園的孩子也能畫——畫家的技藝雖然十分精湛卻沒有能得以體現。超寫實主義體現了純熟的繪畫及照相的技術。熟練的技術要有背後的勤學苦練做支撐，不能投機取巧。
另外，照相寫實主義之所以被稱為照相寫實主義就是因為它的創作過程對照片的依賴性。超級寫實主義畫家的作品以照片作為參照進行創作，這些參照對於超寫實繪畫來說是必不可少的，要想極度精確就必須有照片的幫助。照相寫實主義的畫家並不是直接進行寫生的，他們會先用照相機先拍攝自己所要畫的內容，再通過幻燈機將相片投放，進而獲得比肉眼所能獲得的大得多也精細得多的形像。
超級寫實主義的繪畫都有一個共同的特點——尺幅巨大。 畫家通過用幻燈機等技術手段，將照片放大幾十倍後進行精確的描摹。對於照片上不夠精確的地方，畫家會進行長達數月甚至數年的精細刻畫和表現。由於正常人在觀察事物時不可能如此細致，所以當看到這些超寫實作品時甚至會感覺到自己的觀察方式受到了挑釁，其帶來的視覺衝擊力不言而喻。
很多答案裡都提到了超寫實主義作品的大尺度，所以又有人對大幅的超寫實主義作品在大幅相片前有何意義產生了疑問。我是這樣認為的：照相後放大是在細節已經確定了的情況下進行的簡單拉伸。而超寫實主義的大尺度是在定好了尺幅後用無數的細節去填滿它，充滿了作者的個人刻畫與創作，其精細程度是遠遠超過相片的。另外這是人類繪畫技藝的直觀體現，有相機也要有寫實繪畫，就像有汽車人也需要會走路一樣。
下面這兩幅超寫實主義代表藝術家克洛斯的名叫《肯特》和《蘇姍》的作品尺寸都為100x900cm尺幅巨大，頭像頂天立地，滿幅一個大頭像，整個畫面充滿張力。給人一種逼人的真實，強烈的視覺衝擊力，巨大的張力和極強的吸引力，只要眼睛一望就很吸引你的眼球 ，讓人過目難忘 。當我們親身去看這樣副巨大的寫實作品，當他充滿你的雙眼，我們甚至會開始懷疑，這是否是真實的。
太過逼真的描繪反而讓人覺得不真實。畫中的人物經過如此逼真的表達與描繪後，他是否還是他自己呢？特別微小的細節在這裡也變得極為顯著和醒目。凸顯出了現在看似無比繁華的社會中，我們每個人對生活細節的不在乎與內心的空虛感。同時，當我們在遠處觀看這些超寫實作品時會感覺足以以假亂真，但當走進進行細致的觀察時就會發現作品的局部其實是以抽像的形狀如點、線、漩渦等形式進行刻畫的。即看似逼真的畫面其實是有數不清的抽像元素構成。用抽像不真實的元素來構築物逼真實的作品——這樣作品就被賦予了豐富的內涵。
這些超寫實作品除了以上說的對大眾和藝術家們精神上的反思以外，還要遠比抽像的、表現的作品容易被普通大眾接受。抽像在世界上風靡的同時卻讓普通百姓雲裡霧裡不知所謂無法欣賞，所以我認為超寫實主義這種取材於生活的表現方式可以保證藝術在民眾當中的活力。
藝術永遠需要多元共存。■
來源：知乎
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